Biografía del tutú y 150 años de un incendio

Biografía del tutú y 150 años de un incendio
Por: Roger Salas | 29 de enero de 2013
Tomado del blog de EL PAÍS

Hay poco escrito de los símbolos principales del ballet clásico: a saber: el tutú y la zapatilla de puntas, dos accesorios muy trajinados por la historia y manipulados a placer por las circunstancias. Por ahí andan unos libritos escolares al respecto, pero nada enjundioso, nada jugosamente enciclopédico, y claro los británicos que son los más dados a esos detalles y a los juegos de té de porcelana decorada, han escrito bastante pero dispersamente sobre los dos objetos que os ocupan (en Londres tienen hasta un Trivial del ballet). Se da por hecho que el tutú fue una invención de Eugene Lami, el dibujante parisiense que ideó los trajes de Marie Taglioni para “La Sylphide” (1832) y que lo perfeccionó su discípulo aventajado Paul Lomier casi 10 años después al idear los de “Giselle” (1841); Lami y Lomier eran además, excelentes grabadores. Todo pasaba en París y en el mismo sitio: la gran Ópera de la Rue Le Peletier (que se quemó). Luego un tútú se quemó también en el cuerpo de una bailarina: Emma Livry: la muselina ardió al entrar en contacto con las candilejas, la agonía fue horrible, y Emma que, casualidades hiladas, había nacido en 1841, era la discípula predilecta de la Taglioni. La llamarada fatal cobró fuerza el 15 de noviembre de 1862. La artista murió el 26 de julio del mismo año: fecha fatídica para los supersticiosos del teatro de danza. A Emma la historiografía del ballet la cataloga como la última gran romántica. Era fea de cara (había chistes y dibujos satíricos sobre su quijada), pero tenía un prodigioso equilibrio sobre las zapatillas de puntas (ya muy perfeccionadas entonces también), hasta el punto que la Taglioni le redacto su único ballet: “Le Papillon” (ya no era competencia para ella). Si tuviera tiempo les contaba el vía crucis de la “ballerina” desde que se quemó hasta que murió, aunque no era Emma la primera en emular a Juana de Arco: la primera fue la británica Clara Webster, que ya había muerto entre tules ardientes en el escenario londinense cuando bailaba “La rebelión en el harem” (que se desarrollaba en un imaginario y pseudos-nazarí palacio del Alhambra) en 1844. Parece que bailar ballet era una profesión de alto riesgo entonces… y ahora, aunque hoy las leyes imponen que todos los materiales usados en el teatro sean ignífugos (lo que raramente se cumple: acerque un mechero o cerilla a un tútú estándar de hoy y verá lo que pasa). Luego el tutú se acortó, se le llamó “italiano” y dejó ver las piernas. También dejó de haber muertes violentas al menos por el fuego. Ya les contaré por qué las ballerinas italianas le metieron la tijera al tutú y volveré sobre el tema de las zapatillas de punta y su CV, que es largo y prometedor.

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Más allá del escenario: el ballet “Muerte de Narciso” de Alicia Alonso escrito por Roger Salas.

Artículo de la Revista Digital BALLET Y MÁS  “El portal de los amantes de la Danza”

Sábado 19 de Enero, 2013

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Después de sendas presentaciones en Madrid, en una de las cuales contaron con la presencia de la gran diva cubana de la danza, Alicia Alonso, llegó el turno de Barcelona. Un numeroso grupo de personas, entre las cuales críticos de danza, bailarines, coreógrafos, artistas de distintas disciplinas, muchos de ellos cubanos, y aficionados, se dio cita en la librería de la Calle Buenos Aires para conocer más acerca del ballet de Alicia y la última obra del prestigioso escritor.
Carolina Masjuan
Este ensayo coreútico e histórico – son múltiples las referencias literarias y pictóricas, desde los versos de Sor Juana Inés de la Cruz, Calderón de la Barca, W. H. Auden, etc. al Narciso de Caravaggio que aloja el Palazzo Barberini de Roma- sobre el mito de Narciso, es la primera publicación que bajo el nombre de “Cuadernos Terpsícore” ha puesto en marcha la editorial Ediciones Cumbres. Próximas publicaciones están ya en cartera, entre ellas un libro de entrevistas del propio Roger Salas, que van desde grandes mitos de la danza, algunos ya desaparecidos, como por ejemplo Rudolf Nureyev o Maurice Béjart, hasta personas más desconocidas pero que no obstante han sido personajes fundamentales en los distintos ámbitos por los que se han movido, citando expresamente a Joan Magriñà.
Inspirado en el poema homónimo de José Lezama Lima y con música de Julián Orbón, el ballet que nos ocupa fue estrenado en 2010 en La Habana y éste es el argumento utilizado por el escritor y crítico de danza Roger Salas para profundizar en el mito de Narciso y su implantación en la coreografía del siglo XX, partiendo de la creación de Mijail Fokin de 1913 que bailara Vaslav Nijinski con los Ballets Rusos de Daghilev, hasta llegar a la obra actual de Alonso interpretada por el bello bailarín napolitano Luca Giaccio. Luca, ampliamente conocido y admirado en Barcelona, donde destacó de la mano del entonces Corella Ballet de Castilla León, es el intérprete idóneo para este papel, joven, hermoso, gran bailarín y sobretodo un intérprete sensible que sabe dotar al personaje del misterio y esa, podríamos decir involuntaria inocencia, del mito del hombre enamorado de sí mismo.
Creado totalmente a ciegas ya que Alicia Alonso perdió la vista hace más de una década, la bailarina cubana explicó en la presentación en Madrid: “Yo veía muy bien y mi cerebro -con tantas computadoras han olvidado ustedes que existe un computador mucho mejor- ha guardado todo. Con dos ayudantes, uno para la música y otro para que escriba los pasos, logro verlo todo”.  En su intervención, el propio Roger nos hablaría en términos similares respecto a un comentario que le hizo William Forsythe con quien coincidió varias veces en la Bienal de Venecia y donde en una ocasión exploró sobre la ceguera y como la inspiración surge en la mente “que crea un cuadro mental, imaginado y tridimensional”. Éste texto de Forsythe se cita asimismo en el libro.
Presentando el acto en Barcelona, Mayda Bustamante, editora, Agustí Fancelli, periodista, Roger Salas, escritor, crítico de danza, creador de escenografías y vestuario para ballets y autor del libro, Luca Giaccio, bailarín intérprete de “Narciso” y Carmen del Val, periodista y coordinadora del evento.
Tras una introducción de Montse Serrano de + Bernat, la cubana Mayda Bustamante que fuera mano derecha de Alicia Alonso durante muchos años, ahora establecida en Madrid y editora de Ediciones Cumbres, nos presentó a algunos de los asistentes, entre ellos, la coreógrafa y bailarina María Rovira, tan vinculada al ballet cubano, y ¿cómo no? a Roger Salas, autor del ensayo a quien no dudó en definir como el crítico de danza más importante del mundo y un pozo de sabiduría respecto a este bello arte, además de escenógrafo y creador de vestuario para ballet.
Agustí Fancelli, tuvo una intervención llena de anécdotas divertidas recordando cómo se conocieron con Roger al viajar ambos con el mismo encargo para el periódico en el que trabajaban, El País, para hacer una entrevista a Maurice Béjart. Si ya era difícil entrevistar al genio marsellés, más lo seria en ese momento en que acababa de ser echado del Teatro de la Monnaie (Bruselas) por el actualmente director artístico del Teatro Real de Madrid, Gerard Mortier. Pero el empeño no solo tuvo final feliz al poder realizar la entrevista ambos, sino que Béjart les obsequió con el exclusivo regalo de dejarles observar un ensayo de una nueva creación y presenciar el proceso, algo inaudito en él. A partir de ese momento, se forjó una amistad entre Agustí y Roger que ha permanecido inalterable hasta hoy. Roger añadió que la experiencia fue realmente única, entraron a Béjart gracias a Parsifal, una de las obras de referencia de Maurice y descubrieron a una gran bailarina recién llegada a la compañía (y que aún sigue en la troupe ahora dirigida por Gil Roman) la catalana Elisabet Ros.

Roger Salas por su parte nos comentó como, tras sus dudas respecto a una nueva coreografía de Alicia Alonso de edad ya avanzada –con el recuerdo él de las últimas piezas de Marta Graham en el subconsciente- y además ciega, tras visionar un video de la pieza se quedó realmente fascinado por ella. ¿No compuso Beethoven algunas de sus más excelsas obras estando sordo? Si la memoria auditiva funciona no es extraño pretender que también lo haga la visual. Cuenta que Alicia dijo “Roger me ha visto los refajos, ha llevado al consciente cosas que estaban en mi subconsciente”.

Durante estos encuentros con Alicia, fue la primera vez que ella le reconoció estar ciega. Nos habla también el Sr. Salas de la composición musical, obra de Julián Orbón (Avilés1925Miami1991) quien desarrolló su carrera entre Cuba y USA, siendo Aaron Copland e Igor Stravinsky sus principales fuentes de inspiración.

El primer estreno de la obra en 2010 no cosechó el éxito que debiera y para su reposición en el XXIII Festival Internacional de ballet de la Habana que se celebró en noviembre del 2012, decidieron efectuar algún cambio. Como Narciso se necesitaba un bailarín de físico apolíneo, dionisíaco, un tipo de bailarín que parece haber desaparecido casi por completo en el ballet actual. Y de repente descubrieron a Luca Giaccio, este bello joven napolitano, ansioso por aprender, por seguir creciendo, asumiendo nuevos retos, bebiendo de distintas fuentes. Para esta reposición con Luca como Narciso, la escenografía y el vestuario serán de Roger Salas.

Cuando se pasa el micro a Luca, él nos pide que veamos primero el ballet.

Tal y como nos informó Roger “la complicidad entre música y danza es total. Como debe ser, la danza sigue a la música y lo hace de una forma tal, que uno no puede concebir cómo podría este ballet haber sido creado de otra manera”. Para Roger esta coreografía es tan natural y perfecta, tan exquisita, que es, sin duda, una obra de arte. Y hay que reconocer que es un auténtico goce para los sentidos, aún a pesar de no ser el marco más adecuado para disfrutarlo, un espacio abierto e iluminado y una grabación, ver a Luca ser Narciso.

Luca nos cuenta acerca de su experiencia con Alicia y la forma en que ella le indicó como debía abordar este rol. La emoción intensa que sintió y su complicidad con ella que, ayudada por Ana Mª Javier, le enseñaron cómo dar sentido a los pasos, como a través de la técnica clásica él debía sobre todo transmitir el sentimiento de Narciso, vivir en la naturaleza, ser parte de ella, del bosque, de los animales, del agua… la “adoración a sí mismo”. Se ensayaron muchísimo las partes del agua. Alicia usaba una maqueta y con el dedo iba siguiendo la música sobre esa maqueta e indicando los pasos. “Fue una experiencia muy especial que siempre llevaré en mi corazón durante toda mi carrera” concluyó un emocionado Luca.
El bailarín está actualmente en Madrid con el Ballet de Carmen Roche esperando el visado para ir a Cuba y permanecer un año con la compañía. Le veremos con ellos en la gira prevista para el próximo año que en Barcelona recalará en el Teatro Tívoli. Confiamos verle interpretar “Muerte de Narciso”. Tras su paso por Cuba Luca tiene otras ofertas, como el ballet del Sodre que dirige Julio Bocca.

 

ENSAYO SOBRE EL BALLET NACIONAL DE CUBA. Revista digital lanegrasalsa.com

SOBRE EL BALLET NACIONAL DE CUBA. Revista digital lanegrasalsa.com

Publicado el 10/01/2013

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La oportunidad de conocer más sobre la mundialmente reconocida “Escuela Cubana” del Ballet Clásico estará al alcance de la mano con el libro “Más allá del escenario: el ballet Muerte de Narciso de Alicia Alonso” escrito por  Roger Soler, que será presentado el 16 de enero en Barcelona.

Más allá del son, la timba y el guaguancó la cultura de la danza cubana es una fuente inagotable de la que emana arte a borbotones y grandes talentos. Es así como el lo clásico Cuba también es reconocida por tener a uno de los mejores ballets del mundo dirigidos por la  infatigable Alicia Alonso. Consciente de su transcendencia, el escritor Roger Salas presenta su obra “Más allá del escenario: el ballet Muerte de Narciso de Alicia Alonso”, un libro que será presentado este jueves 16 de enero  a las 19:30h en la Librería + Bernat de Barcelona (c/ Buenos Aires , 6), con la presencia de su autor, del bailarín Lucas Gaccio (Bailarín del Ballet del teatro de la Ópera de Roma e intérprete del Ballet) y la directora de la Editorial Cubres Mayda Bustamante.

Sobre la obra

La pieza “Muerte de Narciso” con coreografía de Alicia Alonso e inspirada por el poema homónimo de José Lezama Lima fue estrenada en 2010 en La Habana. Dos años después, con ocasión del Festival Internacional de Ballet de La Habana, la obra se repone este otoño de 2012 en la capital cubana con nuevos diseños y un nuevo intérprete. Este argumento es el utilizado por el escritor y crítico de danza Roger Salas para profundizar en el mito de Narciso y su implantación en la coreografía del siglo XX, partiendo de la creación de Mijail Fokin de 1913 hasta llegar a la obra de Alonso.

El ensayo “Mas allá del ballet…” se edita como primer número de la colección de estudios de danza y ballet de los Cuadernos Terpsícore, una iniciativa editorial inédita en el panorama de la cultura española de las Artes Escénicas.

PRESENTACION DEL LIBRO DE ROGER SALAS EN LA LIBRERIA CATALANA +BERNAT

Ediciones cumbres agradece a la librería catalana +Bernat el apoyo que ofreció para la exitosa presentación del libro Más allá del escenario: el ballet Muerte de Narciso de Alicia Alonso escrito por Roger Salas.

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Pero además sugerimos a los amigos de nuestra página y a los amantes de la literatura que si viajan a Barcelona no dejen de visitarla. Se trata de una de las más emblemáticas librerías de esa ciudad conducida de forma especial por la carismática Montse Serrano, dónde además de apreciar una buena selección de libros, colocados con encanto podrán  disfrutar de una singular cafetería.
Queremos agradecer a Montse su apoyo y su cercanía, a Carmen de Val, críitica de danza de El País su entusiasta colaboración, a Agusti Fancelli, redactor jefe de cultura de El País por la presentación del libro a la que aportó mucha simpatía y complicidad con el autor,  A la fotógrafa  Fernanda Ares por enviarme las fotos que ustedes podrán ver en nuestra página, a la amorosa presencia del bailarín Luca Giaccio, a Roger Salas, y simpre loo diré por el regalo de este libro y  a Alicia Alonso por inspirar muchas cosas.
A todos los que asistieron, incluso amigos quienes  compraron con entusiasmo el libro. A María Rovira por compartir esa tarde sueños y futuro.
Gracias.
Mayda Bustamante.

Pisadas del mito sobre la escarcha por Roger Salas

ROGER SALAS

EL PAIS/ Madrid 10 ENE 2013 – 00:16 CET

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Portada de EL PAÍS SEMANAL dedicada al bailarín (24/11/1985).

Hace unos años, en la siempre fría Bolzano coincidí con la primera bailarina británica Merle Park. Estábamos allí para hablar de ballet y futuro, pero se hizo inevitable girar gentilmente la cabeza hacia atrás, y mencionar a Rudi, a Rudolf Hametovich Nureyev, al pasado aún algo inmediato, pero ya con una alargada sombra mítica sobre el presente. Park fue partenaire de Nureyev muchas veces, en Covent Garden y en giras por el mundo, le gustaba bailar con ella porque, me había dicho Nureyev una vez, “siempre era elegante y parecía frágil, como de cristal”, y a tenor del baile masculino actual, la ahora retirada artista británica comentó: “los bailarines jóvenes de cuando Rudi vivía, todos querían ser como él, bailar como él. Después ya no tanto, ahora cuesta que sepan quién fue”.

Nureyev es sin dudas el bailarín más señero del siglo XX y junto a Vaslav Nijinski (que en paridad, es una figura a caballo entre los siglos XIX y XX), los dos héroes masculinos de la danza académica de todos los tiempos. Ambos tenían sangre tártara, ambos fueron tan adorados como rechazados. A Rudi no le gustaba hablar de Nijinski y refutaba tajantemente la comparación, bailaba el Poeta de Las Sílfides (Fokin) y La siesta del fauno, los papeles míticos de los tiempos de Diaghilev, pero rechazaba especular sobre la zona obscura sobre la que tanto se ha escrito.

Nureyev, el 6 de enero de 1993 en el Hospital de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro (Levallois) de París, moría víctima de las complicaciones del sida. Había nacido en un tren el 17 de marzo de 1938 en el trayecto entre el lago Baikal y la ciudad de Irkusk. Nadie antes ni después en el ámbito del ballet había exprimido tanto su carrera y la fama, el éxito y la decadencia. Tenía una rara conciencia de todo ello, y entrevistarle era un calvario que el periodista siempre llevaba con placer. Tengo que decir a su favor, que Nureyev era un hombre muy generoso. Era un verdadero divo, pero de una sensibilidad tan prismática como fuera de serie, iba desde su pasión por los intrincados dibujos persas a las prendas de Missoni o los cuadros parnasianos o simbolistas (todo lo que tuviera zig-zag de colores: chalinas, alfombras, gorros azulejos o capotes). Su amor por el arte era de una ostentación tolerante con el buen gusto, y su piso de Qui Voltaire fue el templo, la suma ideal de todo su sueño estético.

Siempre sus respuestas esmaltaban en corto sobre ideas muy firmes. La influencia de Nureyev sobre el ballet académico (su natural repertorio canónico) y su pervivencia ha sido fundamental, lo mismo que su rol en el reflorecimiento del Ballet de la Ópera de París, al que dotó de una grandeza no vista antes en los tiempos modernos y de la cual aún vive. En octubre de 1992, cuando estrenó La Bayadera en la Ópera Garnier, al alzarse el gran telón pintado, estaba sentado en proscenio en un potente butacón granate. Se le venía agarrarse con tensión a las volutas doradas de los brazos y allí, ya sin poder mantenerse en pie, recibió de Jack Lang otra medalla, una más. París ese día estuvo a sus pies, y el mundo también. Apenas sonrió y siempre he dudado de hasta donde conservaba aún la conciencia. Al inclinarse el flamante ministro de Francia que le había dado el cetro de esa casa ocho años antes, recibía la reverencia de toda la cultura occidental.

Siempre tendré presente lo que en su momento llamé “una mirada del color del trigo maduro”. Era el brillo del niño que corría por los campos escarchados de Ufá. La primera entrevista para EL PAÍS la hicimos en el coqueto despacho rococó de la Opera Favart y sus palabras iniciales atendían sólo parcialmente a la pregunta: “No siento nostalgia, esta es la verdad, aunque parezca difícil de creer. Pero es que mi vida aquí ha sido muy agradable, y mi carrera de bailarín ha funcionado bien. Todo ha sido tan bueno que no ha habido lugar para la añoranza. To­dos mis éxitos están en Occidente. En mi vida presente no echo nada en falta”. Lo quería dejar claro.

Y así siguió hasta el final y hasta comprar la isla Li Galli, frente a la bahía de Positano en el sur de Italia, un peñón mitológico desde los tiempos de Homero que ya antes había pertenecido a Leonidas Massine, otro héroe de los Ballets Rusos. Lo tuvo todo y tenía conciencia de su papel: “Nijinski y yo no te­nemos nada que ver. La imaginación de la gente de 1900 forjó un ideal, fue el primer montaje publicitario en el mundo de la danza. Realmente bai­ló muy poco, pero captó la imagina­ción de la gente de 1900, mientras que yo tengo que captar la imaginación de la gente de los años sesenta a los ochenta”. Saltando, pero con los pies firmemente apoyados en la tierra, entonces me habló de la persona-bailarín: “Adquirí tenacidad y voluntad, entendiendo muy pronto que debía cuidar de mí mismo. Desde entonces sólo confío en mí mismo y me fío solamente de mi intuición y la experiencia personal”. Venal, irónico, con un humor de retranca al alcance solamente de unos pocos muy cercanos, Rudolf Nureyev era su coraza, su traje. Era celoso con su vida, pero también con su arte: “Cuando he trabajado sobre Ray­monda o El lago de los cisnes es para preservar todo lo que puede guardar­se. Mucha gente piensa que ya no es necesario y que es una labor baldía. Yo opino todo lo contrario, y más que necesaria es indispensable. Debemos guardar la herencia del pasado”. Un aviso para navegantes que valdrá mañana.

Inquieto y experimentador, amigo de la química escénica y del riesgo, sobrevoló el arco de los géneros (“Creo haber roto las barreras entre la danza clásica y la danza moderna”). En esto no le faltó razón. Cuando en 1980 bailó por primera vez el personaje de Aegistus del ballet Clitemnestra de Martha Graham, la gran coreógrafa americana opinó que nadie había bailado el papel como Nureyev.

A fines de los años ochenta una noche de verano en Montpellier, después de bailar una larga suite para violonchelo de Bach coreografiada por Francina Lancelot en un exquisito estilo arcaico, nos fuimos a cenar con Jean Paul Montanari, el dinámico director del festival que lo había convencido para volver a bailar aquello. A golpe de vino blanco del Rihn nos contó muchas cosas de Leningrado y de Ufá y probablemente es la vez, después de la isla de Li Galli, donde era menos un dios pagano. Allí, como al final de la entrevista de la Sala Favart, ya lucía poco del tono elevado de la gran estrella, sino que su voz se hizo más baja y cercana: “Quiero hablar de mi baile, de la mane­ra que lo hago. He meditado mucho sobre esto, y mi impulso me lleva a movimientos generosos y largos, es una manera de bailar que te exige grandes trayectorias a través del es­pacio escénico. En ello me doy por entero, tratando de dar una vida pro­pia e interior al ballet, llenar de senti­mientos los aspectos formales de la danza”.

Y dijo algo que hay que volver a repetir: “Yo he conseguido mis sueños en el escenario, he tenido en mis manos los grandes papeles, los he hecho y los he amado. Aún disfruto mucho con los clásicos; con el estilo Bournonville o con Petipa, y también con los mo­dernos que me permitan una intensa interpretación. Cuando usted ve a un bailarín en el escenario se da cuenta de que hay cosas que no se pueden bailar siempre; cada pieza tiene su tiempo. Uno debe saber lo que debe bailar en cada etapa. Sin embargo, es verdad que a través de trabajo y de técnica es posible superar ciertas co­sas. No hay un momento exacto para la cumbre de una carrera, es como el vino cuando está en su justa sazón para beberlo. Un bailarín en el esce­nario siempre debe proporcionar pla­cer con su técnica y con su cuerpo, puede ser joven o viejo, eso no im­porta”.

Sus anécdotas sobre España, merecen todavía hoy un libro: “Yo he hecho dos o tres visitas a España, una vez hice muchas funciones de Giselle, aunque no lo hacía­mos en óptimas condiciones, los esce­narios no eran muy buenos, casi siem­pre eran improvisados al aire libre. En un sitio estábamos cerca del aero­puerto y se oía aterrizar y despegar a los aviones, hasta el punto de que ta­paban la música. Eso no he podido ol­vidarlo. En Barcelona el sitio era muy bello, pero pequeño. En el Generalife de Granada fue maravilloso, excepto que la función comenzó después de una larga cena y aquello terminó a las cuatro de la madrugada”. Y concluyó: “He llegado donde he querido, pero eso no quiere decir que deba abandonar lo que me da tanto placer, a mí y a los demás”.

La discreta queja de Merle Park en Bolzano se yergue como una metáfora de un mundo que quizás acaba con Nureyev, del que era último símbolo, una manera de entender el ballet, una manera de ver la vida en el arte, una manera de pisar como un mito sobre la escarcha del tiempo.

Recordando a Nureyev en el 20 aniversario de su desaparición Física. Roger Salas

El mundo de la danza sigue a los pies de Nureyev

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Al cumplirse diez años de su muerte, Milán, París y otras ciudades rinden homenaje al bailarín ruso.

La danza perdió el 6 de enero de 1993 al que fue para muchos el más importante bailarín de ballet del siglo XX: el ruso Rudolf Nureyev, un hombre polémico y complejo, lleno de divismo y de caprichos, pero con una personalidad escénica fuera de cualquier molde. Su enorme capacidad de trabajo, su virtuosismo, su empeño en devolver al público contemporáneo los clásicos, y una seductora presencia que llegó hasta el cine, hicieron del tártaro una estrella que atravesó el universo dancístico dejando una huella imborrable. Ahora, a diez años de su desaparición víctima del sida, desde todas partes recibe una reverencia. Los principales teatros del mundo a los que estuvo vinculado le recuerdan y aún le aplauden.

Hace ahora casi diez años, exactamente el 6 de enero de 1993, moría en París, víctima del sida, el bailarín ruso Rudolf Nureyev. Había nacido en un tren cerca del lago Baikal, en 1938. Sus padres eran unos modestos campesinos de origen tártaro reubicados en una fría y áspera ciudad de la Siberia soviética. Y al parecer, allí comenzó un destino errante hacia el triunfo y la gloria, hacia los laureles y hacia la muerte. Nureyev, en 1961, también en París, se negó a subir al avión que lo debía devolver, junto al Ballet Kirov, a Leningrado. Así inició una peregrinación con alfombra roja por todo el mundo occidental que reconoció su grandeza al punto de ser calificado como el más importante bailarín de ballet del siglo XX.

Desde anteayer, teatros de Ópera y Ballet de Europa y América han comenzado una serie de homenajes al gran divo de la danza. En España, una de las plazas a las que volvía cada vez que se le pedía y donde bailó hasta el final, ni una sola función le recordará en los teatros y festivales que abarrotó.

Los actos han comenzado por La Scala de Milán, en su nueva sede provisional del Teatro degli Arcimboldi, a las afueras de la capital lombarda, con una gala el pasado jueves que reunió a un racimo de los más importantes bailarines de hoy, algunos de los cuales, muy jóvenes, ni siquiera le vieron bailar nunca en directo. La Gala Nureyev de La Scala, que puede calificarse como excepcional reunión de los mejores artistas del ballet académico de hoy, es una reverencia a los años de gloria en que bailó y coreografió para el coliseo milanés, casi siempre en compañía de otra grande del siglo XX, Carla Fracci, la gran ausente de ese homenaje, lo que ha provocado un crudo de acusaciones, aparecidos estos días en la prensa italiana, entre la dirección del teatro y la bailarina (que dirige, por su parte, el Ballet de la Ópera de Roma), algo que no es ajeno al competitivo y amargo mundo del ballet, tradicionalmente lleno de intrigas y polémicas que no respetan la muerte, por cercana que sea. Fracci se ha ratificado en que, hasta el último momento, intentó estar en la gala de Arcimboldi.

En La Scala han estado el francés Eric Vu An, la española Tamara Rojo (actualmente estrella del Royal Ballet de Londres); los cubanos Lorna Feijoo y José Manuel Carreño (radicados en Norteamérica); los rusos Svetlana Zahjarova, Nikolái Tsiskaridze y Vladímir Malakjov (ya flamante director en Viena); la rumana Alina Cojucaru (también en Coven Garden), y el argentino Iñaki Urlezaga, junto al ballet de La Scala, su escuela y sus principales figuras, con Roberto Bolle a la cabeza.

Allí se bailó para un símbolo, una manera de entender la danza masculina que parece destinada a desaparecer o a cambiar hacia otros registros. Pocos quieren ya hoy criticar al mito, a sus defectos, carencias y patinazos escénicos, que no fueron pocos. Prevalece una idea mítica y potente de elevación artística por encima de cualquier otra lógica. La Scala también ha editado para la ocasión un libro sobre el papel del ruso en este teatro, donde destacan los textos de su amiga personal Vittoria Ottolenghi, y donde se relatan sus montajes. En estos días también se ha repuesto el Cascanueces (con funciones en Arcimboldi hasta el próximo día 31) que Nureyev dejara en el repertorio milanés hace 20 años con los diseños, hoy ya históricos, de Nicholas Georgiadis.

Los actos inmediatos por el décimo aniversario de la muerte de Nureyev continúan con una noche de danza, el lunes 20 de enero de 2003, en la Ópera de París Garnier, donde se prevé que participen todas sus estrellas y la totalidad del conjunto, y una semana de funciones en el Palacio de los Deportes de París, del 4 al 9 de febrero, dirigidas por Charles Jude, que fuera bailarín estrella de la Ópera de París y actualmente director del Ballet Nacional de la Ópera de Bordeaux. Jude, que fue uno de los bailarines preferidos de Nureyev mientras éste dirigió la Ópera de París de 1983 a 1989, y que bailaron conjuntamente durante años, ha trabajado duro para reunir en París a amigos y admiradores del gran artista ruso, bailando fragmentos de obras que Nureyev paseó por todo el mundo, desde el Apollon de Balanchine, al Don Juan de John Neumeier. Aquí sí estará Carla Fracci, que bailará extractos de las danzas de Isadora Duncan. También para la ocasión, Maurice Béjart ha creado un solo: Le chant du clown errant, donde se parafrasea a sí mismo y al paso a dos para hombres que creara hace décadas, Canción para el compañero errante, con música de Mahler, y que Nureyev bailó cientos de veces junto a Bortoluzzi, Jude y otros.

Sin embargo, en San Petersburgo, en su teatro de origen, el Kirov-Marinskii, están en silencio. No hay fecha concreta para los actos, y varias notas de prensa han cambiado los asistentes o el orden de las actuaciones. Nureyev huyó en 1961 y no volvió hasta allí en 1987, con los primeros y promisorios aires de la perestroika y la glásnost en una visita privada para ver a su madre, anciana y enferma, que ni siquiera le reconoció. Después volvió al Kirov por un día, y bailó, de manera vacilante, Las sílfides; también estuvo brevemente en Ufá para dirigir un Romeo y Julieta. No regresó más. Sus apartamentos de París, decorados con profusión y hasta un exagerado gusto por la pomposidad del siglo XVIII francés, fueron su refugio, siempre precedido por aquel extraño cuadro de Johann Heinrich Füssli Satan strating from the touch of Ithuriel, basada en un pasaje de El paraíso perdido, de Milton, con su oscuridad mercurial y su lucha bailada contra las sombras.

La tumba de Rudolf Nureyev en el cementerio ruso-ortodoxo parisino de Sainte Genevieve des Bois, a escasos metros de las de Serge Lifar y Vaslav Nijinski, conoce ya estos días un peregrinar silencioso de antiguos bailarines y de simples admiradores, balletómanos de todas partes que acuden a tocar el imponente a la vez que sobrio túmulo que diseñara el arquitecto y escenógrafo italiano Ezio Frigerio, donde el elemento decorativo principal y único es, sobre el granito negro, una enorme alfombra multicolor que es réplica, en mosaicos y bronce, de las antiguas del Asia Central. Una manera sutil y poética de dar calor al más eterno de los fríos.

 
Rudy  coreógrafo y el baile español

A Nureyev le gustaba la danza española, pero con reservas. Por ejemplo, nunca estuvo de acuerdo en que se presentaran compañías de ballet flamenco en la Ópera de París y las vetó con decisión. Quien primero lo consiguió fue Cristina Hoyos, y tuvo que esperar a que el ruso ya no estuviera al frente de la casa francesa.

Nureyev lo explicaba muy bien: el flamenco necesita de otro espacio y de otro contexto para apreciarlo óptimamente. Aunque, siempre que era preguntado, mostraba su admiración por Antonio Ruiz Soler y por Antonio Gades. Personalmente, lo español no era lo suyo; su peor ballet, con diferencia, es su Don Quijote, que hizo casi paralelamente para Viena y Sidney entre 1966 y 1970, donde, además de enturbiar la coreografía original de Petipa, somete al personaje de Alonso Quijano a un auténtico calvario.

En realidad, Rudolh Rudy Nureyev solamente creó dos ballets grandes propios: Manfred (1981) y La tempestad (1982), y fueron dos sonoros fracasos más o menos indulgentemente recogidos por la crítica de la época. Habrá que dejar pasar más tiempo y poner en sitio justo sus valores como remontador de clásicos, un papel de ciencia coréutica que exige más rigor enciclopédico que dotes virtuosísticas. En España la faceta de coreógrafo de Nureyev se conoce sólo por la tardía visita al Liceo de Barcelona, en 1993, del Ballet de la Ópera de París con su última recreación de Petipa: La bayadera, y que es probablemente la mejor de sus propuestas sobre las escrituras académicas del siglo XIX ruso. Aun así, Rudy era adorado allá donde iba y se pateó España de punta a punta bailando en teatros pequeños y en festivales al aire libre, en grandes teatros o en modestas plazas.

El público madrileño recuerda sus brillantes actuaciones en el parque del Retiro junto a Margot Fonteyn en los tiempos de esplendor (bailaron el pas de deus de El corsario) y el de Palma de Mallorca, su última aparición en España, en agosto de 1990 junto a Alicia Alonso y Victoria de los Ángeles en una accidentada velada que ha pasado a la historia por la propia valía de sus protagonistas más que por los méritos del espectáculo.

Otra de sus visitas sonadas fue al teatro Principal de Valencia con el Ballet de Nancy, en noviembre de 1985. Bailó Apolo y la Canción del compañero errante, pero antes puso en su sitio a algún chiflado y a una imprudente fotógrafa que pretendió inmortalizarle sin su permiso mientras ensayaba.

EL PAIS

Alicia Alonso recibió importante distinción iberoamericana

A LAS CERCA DE VEINTE REPERCUSIONES INICIALES
QUE INCLUYEN DE LA AIN A LA UPI,
DEL BALLET A JUVENTUD REBELDE…
SE UNEN ÉSTAS OTRAS 44
DONDE APARECEN DESDE CUBARTE
HASTA RADIO METROPOLITANA Y ECURED
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Alicia Alonso recibió importante distinción iberoamericana – Topsy
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Alarcón: Obama, ¿por fin usted está con los terroristas o contra el …
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